Ritter des Lichts in Vergangenheit und Gegenwart. Rückblick auf Cēsu Art Festival / Tag


Das Ausstellungsprogramm des Cēsis Art Festivals besteht in diesem Jahr aus der Personalausstellung von Daiņas Pundur Warten auf das große Tier in der Cēsis-Galerie des Konzertsaals, eine von Vilnius Wind kuratierte Ausstellung Bruno Vasilevski. PS Im Ausstellungshaus Cēsis sowie die Ausstellung von Kaspars Groshev und Evita Vasilieva, kuratiert von Žaneta Skarula und Daigas Rudzāte Blue Bay-Haus Cēsis Zentrum für zeitgenössische Kunst. Diese Ausstellungsformel, bei der sich Zeitgenössisches mit Kunstklassikern in drei separaten Veranstaltungen abwechselt, wird beim Festival Jahr für Jahr wiederholt und deckt verschiedene künstlerische Geschmäcker und Interessen ab. Ich werde mir die Personalausstellung von Kaspar Groshev und Evita Vasiliev sowie die Bruno Vasilievski gewidmete Ausstellung genauer ansehen. Sie konzentrieren sich auf das Erbe der lettischen Kunstgeschichte – im Fall von Bruno Vasiļevska als relativ klassische Retrospektive, während die Ausstellung von Kaspar Grošev und Evita Vasiļjeva eine Fortsetzung der Arbeit von NSRD und Hardij Lediņš in Sprache und Ausdrucksweise darstellt eine andere Generation von Künstlern.

Kreative Archipele

Blue Bay-Haus ist eine kollaborative Installation, die aus einer Reihe von Arbeiten von Kaspars Groshev und Evita Vasilijeva besteht. Es basiert auf den „Rough Art“-Ideen von NSRD und Hardij Lediņš und der utopischen Zeichnung von Hardij Lediņš aus dem Jahr 1984 Blue Bay-Haus, die beide Künstler in ihren charakteristischen Mal-, Skulptur- und Klangtechniken realisierten und die sich über mehrere Stockwerke des Cēsis Contemporary Art Center Gebäudes erstreckt. Die neu geschaffene Darstellung ist kein Nebenprodukt von NSRD-Ideen oder eine Aneignung von Ideen in direkten Zitaten. Vielmehr wird der naturgegebene „Ledinismus“ im Schaffen beider Künstler betont, wobei alle drei Autoren (Kaspars Groševs, Evita Vasiļjeva, Hardi Lediņas) ihre Autonomie wahren.

Kaspars Groshevs Videoarbeit auf dem Weg nach Bolderaja, ausgestellt im Halbdunkel des Erdgeschosses, Objekt Lagune, eine Reihe von Gemälden und eine Reihe von Lampenabgüssen von Evita Vasilieva Sieben Gründe, sich Zeit für den Sonnenuntergang zu nehmen verkörpert die Stimmung kreativer Aktivitäten im Untergrund auf physische und buchstäbliche Weise und erinnert an einen halbgeheimen Nachtclub. Der im Video verwendete Soundtrack experimenteller Musik verstärkt den Eindruck einer Underground-Party und wird organisch zu einem Element des Raums, der die musikalische Aktivität von NSRD widerspiegelt. Der unterirdischen Atmosphäre des Erdgeschosses steht die Luftigkeit und Leichtigkeit des Obergeschosses gegenüber, die durch die Installation von Windmühlen der französischen Künstlerin Camille Buzuba-Grivel auf dem Dach des Gebäudes abgeschlossen wird Ein umgekehrter Don Quijote. Diese Raumaufteilung und das Spiel von Licht und Dunkelheit verleihen der Ausstellung eine Symbolik, die mit den von NSRD organisierten Märschen verwandt ist, die in der Osternacht entlang der Eisenbahnschienen nach Bolderāja ziehen, um auf den Sonnenaufgang zu warten. Aber auch ohne diesen Bezug fügt sich die Werkreihe perfekt in eine Rauminstallation ein, kann große Quadratmeter besetzen und wird nicht zu einer formlosen Masse von Objekten und Wiederholungen, die den Raum nur noch funktional zu füllen brauchen.

Die architektonischen Qualitäten der Ausstellung erinnern uns auch an die Arbeit von Hardij Lediņš in der Architektur; am stärksten manifestiert sie sich in den prozessualen Betonskulpturen von Evita Vasiļjeva, in ihrem plastischen Zusammenspiel mit Lichtelementen (natürlichen und künstlichen), Entwürfen und den Rhythmen der inneren Struktur des Raumes. In den Arbeiten von Evita Vasiļjeva spiegeln sich die Prinzipien avantgardistischer Kunst in neuen Materialitätsverhältnissen wider, die in der industriellen Rauheit nach dem Fragilen und Entromischen suchen. Der Ausdruck ihrer Objekte strebt nach neuen Maßstäben, Schweregraden und Zwischenzuständen von Formen, die trotz materieller Innovation in ihrer Ursprünglichkeit und Wiedererkennbarkeit universell erscheinen – sie sind die Grundimpulse visueller Formen, die sich um die Modulationen des Lichts organisieren , Rhythmen und Lautstärken.

Die Urheberschaft der Werke ist in der Ausstellung nicht angegeben, aber für diejenigen, die sich für die lettische zeitgenössische Kunst interessieren, ist es leicht, sie zu erraten und zu unterscheiden. Kaspars Groševs nimmt an der Ausstellung sowohl als Künstler teil, der seine naiv surrealen Gemälde ausstellt, als auch als Schöpfer und Mitglied der kreativen Gemeinschaft, indem er subkulturelle Orte und Aktivitäten in der Nähe der Avotu-Straße, von ihm organisierte Veranstaltungen und experimentelle Musik als zeitgenössische Musik aktualisiert Bouldern (was auch dem Namen der legendären Avotu Street Buchhandlung/Bar/Kunstraum entspricht). Natürlich hat jede Epoche ihre eigenen Legenden, ihre eigenen Bolderāja- und Avotu-Straßen und auch ihre Eiscremes, aber das kreative Erbe von NSRD existiert immer noch als zentrale avantgardistische Kunstpraxis im lettischen kulturellen Koordinatensystem, auf das wir zurückkommen Hauptbezugspunkt und Einflüsse der modernen Experimentalkultur.

Eines der Artefakte der Zentralisierung kreativer Gemeinschaften von Kaspars Groshev ist der Objektkiosk Lagune – Im Herbst 2021 füllten die von ihm eingeladenen Künstler den Kiosk mit zeitgenössischen Kunstwerken, musikalischen Darbietungen und Performances. Die kleine Holzhütte in dieser Ausstellung ist ein aktuelles historisches Zeugnis, während das utopische Erkerhaus eine Insel der kreativen Abgeschiedenheit ist, ein eigener künstlerisch autarker sicherer Ort, der irgendwie eine wichtige Voraussetzung für jeden kreativen Prozess ist. Die Lagune gleicht der Fortsetzung von Kaspar Groshevs „Musikzimmer“. Der Raum wurde vor zwei Jahren beim Cēsu Art Festival ausgestellt und für den Purvīša-Preis nominiert, nur dass der Autor dieses Mal vom Thema jugendlicher Eskapismus zu kreativen Archipelen als kollektive Zufluchtsorte übergegangen ist.

Ästhetischer Mehrwert

Im Ausstellungshaus Cēsi ist eine dem Maler Bruno Vasilevski gewidmete Ausstellung zu sehen. Die Werke des Künstlers darin sind nicht nur eine Repräsentation des Schaffens des Autors, sondern beleuchten einen weiteren Kreis stilistisch verwandter Einflüsse und Richtungen, für die die Kunst Bruno Vasilevskis eine Inspirationsquelle war.

Die wichtige Rolle von Bruno Vasiļevskis in der Geschichte der lettischen Kunst steht außer Zweifel, aber die Einzigartigkeit seiner Kunst passt nicht vollständig in eine der Hauptströmungen oder Gegenströmungen seiner Zeit, was es schwierig macht, sie vollständig und eindeutig zu definieren . Helena Demakova hat den „konzeptionellen oder metaphysischen Realismus“ als den engsten Begriff genannt, der seine Kunst charakterisiert, Eduards Kļaviņš betont die Suche nach der idealen Form und der absoluten Wahrheit der Kunst als grundlegendes Postulat der Kunst von Bruno Vasilevski. Bruno Vasilevskis strenger Idealismus machte die Erstellung von Gemälden sehr zeitaufwändig, der Künstler malte durchschnittlich zwei Werke pro Jahr. Die Anzahl der in Cēsis zu berücksichtigenden Werke ist ebenfalls nicht groß, entspricht jedoch der Tendenz des Künstlers zum Minimalismus und zur Askese als ästhetischem Wert und repräsentiert die wichtigsten Werke seines Erbes.

Die Ausstellung im zweiten Stock der Ausstellungshalle PS, in der der Kurator Vilnis Vējš Autoren verschiedener Generationen ausgewählt hat (darunter Imants Lancmanis, Juris Pudāns, Maija Tabaka, Miervaldis Polis, Līga Purmale, Valdis Līcītis, Līvija Endzelīna, Dace Lapiņa, Jānis Blank, Zane Tuča und Jānis Šneiders) , deren Aktivitäten in gewisser Weise mit den Themen und der Stilistik von Bruno Vasilevskas Kunst in Einklang stehen – Stillleben, der Einfluss des Fotorealismus, Naturstudien, leidenschaftslos objektive Beobachtung der Realität. Einige der Autoren sind ehemalige Mitarbeiter von Bruno Vasiļevskas, Mitglieder der französischen Gruppe, einige repräsentieren die jüngere Generation der lettischen Kunst. Jeder Künstler dieser Abteilung ist jedoch nur in einigen Aspekten seiner kreativen Handschrift mit Bruno Vasiļevski verwandt, was erneut die einzigartige Rolle des Künstlers in der Geschichte der lettischen Kunst bestätigt und nicht in enge Definitionen eingeschlossen ist.

Bruno Vasilevskis hat seine künstlerischen Interessen als das Thema “Raum und Licht” charakterisiert und versucht, die Beziehung zwischen der Realität in der bildenden Kunst und dem Leben durch die Wahrhaftigkeit des Bildes aufzuzeigen. Wahrhaftigkeit als Beobachtung der Realität ohne symbolische oder sozial gefärbte Botschaften im Kontext der sowjetischen Kunst war ein Akt des Widerstands gegen die ideologische Kontrolle in der Kunst und ihre Forderungen, künstlerische Inhalte für politische Zwecke zu nutzen. Dieses Merkmal von Bruno Vasilevskis Kunst findet sich kaum organisch in den Werken zeitgenössischer Autoren, zumindest nicht im gleichen Kontextmaßstab, aber in der Ausstellung wird dieser Unterschied zwischen Bruno Vasilevski und den anderen zu einer Bestätigung der Bedeutung seiner Persönlichkeit als Kunst Thema, das mit diesem Projekt nicht erschöpft werden kann.

Abschnitte PS Die Autoren thematisieren das Verhältnis von Realität und bildender Kunst aus Positionen und Blickwinkeln, die nicht mit Bruno Vasilevskis Vision identisch sind, und beweisen, dass er nicht nur Gegenstand von Nachahmungen und Interpretationen ist. Die Arbeiten von Bruno Vasilevski verkörpern im Wesentlichen jene Prinzipien des Sehens und Darstellens der Welt, die Künstlerinnen und Künstler seit jeher auf vielfältige Weise faszinieren. Als eigenständiges Kunstwerk ist die von Līgas Spunde geschaffene Szenografie der Ausstellung hervorzuheben, deren unauffällige, illusorische Wand-„Gemälde“ die Prinzipien von Licht, Tonalität und Mimesis der Gemälde Bruno Vasilevskis exakt imitieren.

Mangel an Themen und Ideen

Die beiden Ausstellungen des Cēsu-Kunstfestivals scheinen mir ein gutes Beispiel dafür zu sein, wie man über den sogenannten lettischen Kunstkanon, Vorläufer in der Kunst, nachdenkt, das kulturelle Erbe erkennt und es heute leben lässt und nach Berührungspunkten zwischen ihnen sucht Vergangenheit und Gegenwart. Allerdings muss man zugeben, dass es zumindest in den letzten zehn Jahren etwas zu viele Ausstellungen dieser Art des Dialogs zwischen aktuell tätigen Künstlern und kulturhistorisch bedeutenden Persönlichkeiten gegeben hat. Deutet dies auf Themen- und Ideenmangel in der lettischen Kunstszene hin? Zeigt es einen übertriebenen Respekt vor dem Kanon, Persönlichkeiten, einer bestimmten Art von Autoritarismus in der Kunst? Ist das Zeitgenössische nur dann wertvoll, wenn es ihm gelingt, Analogien in den Schöpfungen vergangener Genies zu finden?

Die Suche nach stilistischen Eindrücken, Einflüssen und Verbindungen ist ein wichtiger Teil der Entwicklung der Kunst und ein legitimer Weg, die Werte der Kunst zu verwirklichen, das Wichtige vom Unbedeutenden zu trennen, aber ihre Häufigkeit in lettischen Ausstellungen ist meiner Meinung nach markiert eine kreative Erschöpfung – ist es wirklich die Interpretation und Rekontextualisierung der Werke anderer Autoren, die lettische Künstler und Kuratoren interessiert? Diese Ausstellungsprojekte ersetzen gewissermaßen die traditionelle Kunstforschung als kunsthistorisches Schreiben in Form von Veröffentlichungen. Vielleicht sind dies die Bemühungen des lettischen Kunstumfelds, den Mangel an Zeugnissen der jüngeren Kunstgeschichte im öffentlichen Raum zu kompensieren, auch in Form des gleichen leider immer noch fehlenden Museums für zeitgenössische Kunst.

Ausstellungen

Blue Bay-Haus
im Zentrum für zeitgenössische Kunst Cēsis bis 14.VIII; Bruno Vasilevski. PS
im Ausstellungshaus Cēsi bis 28.VIII


Source: Diena.lv by www.diena.lv.

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